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    中國原創歌詞網教程---ZGYCGC教程

    中國原創歌詞網2021-05-16 13:55:53

    感性是創作的源泉,理性的技巧是服務和協助! 這樣的句子很漂亮,但是不實用.

    我的感覺是天賦和理論都是不能偏廢,在創作中,靈感先于理論到達,但是不能說明靈感比理論更有分量。好比你選擇一個女朋友,長相是門檻,但是并不是最重要的,性格可能才是你最終選定的最重要因素(當然是在長相符合你的標準的情況下)

    創作也是這樣,靈感或者說感性的東西就是一個門檻,沒有這個門檻什么也別談,但是過了這個門檻就要看大家的功力的深厚了,這個功力是日積月累的音樂鑒賞,聽力和理論各方面的沉淀。有人有很好的動機,很好的感情,很好的靈感,但是沒有辦法繼續完和這個靈感同樣出色的余下部分的創作,說明他

    還是個業余創作家,理論沉淀還跟不上。而真正的藝術創作家總是可以抓住一個小小的動機把它發展的非常感人和出色。

    實際上大家對理論有些誤解,喜歡把它書本化,其實它恰恰就是發揮聽覺的藝術一把利器,把最好聽的音符給挖掘了出來。而很多時候,這些音符光憑一腔熱情是找不到的。所謂的音樂大師哪個不是高深的理論大師,他們是天賦和深厚基礎的完美結合。

    過于強調天賦和靈感很容易讓人對理論產生排斥,覺得憑自己的小聰明不需要特別用到什么理論也可以寫出不錯的作品。但實際上仔細聽過這些作品以后,發現藝術性還是不夠,走的路子比較野(當然有人會說比較自由),但是長此以往,很容易走入死胡同,創作生命不夠長久。在國內,能談的上創作生命長久的音樂人少之又少,為什么?都是靈感突發類型的,總有江郎才盡的一天。而如果有個深厚的音樂沉淀情況就不一樣,一個小小的靈感可以充分擴展成一首完整的曲子,不需特別的再靈感突發把余下部分完成,否則會是相當累的。

    我很欣賞國外的流行樂創作是百花齊放的,既有學院派的(比如很多電影插曲),也有很多野路子的(比如搖滾類的)。但即使是野路子的創作者也是有著深厚音樂沉淀的,只是風格不同于學院派的套路而已。但是他們通通都是理論的大師,加上他們的音樂創作理念比較受聽眾的認可,所以出名,而且可以水平不降低的一張接一張出專輯,這種現象跟國內是兩回事。

    總而言之,感覺國內流行樂還是輕理論,踏踏實實學習的人少,想馬上寫好歌出名的人多。跟學術界一樣,浮夸。

    一家之言,或許有偏頗,但是是我的切身感受.當然我也見過理論基礎很深厚的(他扒譜而且是Jazz類作品,只聽一遍就直接在白紙上寫出和聲和根音)但是他寫的歌不太好聽,確切的說,不難聽,但是也沒什么出彩的地方。你不能說他沒天賦,他的吉他彈的非常有味道,配器也很牛b,錄音技術很好,家里有一套價格不菲的專業設備,他本人的經歷也不能不說很坎坷。但是在創作上,確實感覺少了點什么。由此個案,我覺得創作的天賦和學習音樂演奏技巧的天賦還是有所區分的。也就是說,演奏家和創作家還是不同的,不要認為自己演奏的東西又多又好,而創作出的東西就一定好。復制和新建文件畢竟是兩個不同的功能鍵。

    另外一點,創作需不需要有親身體驗的問題。很多人認為寫的東西一定要有親身經歷,真情實感才能寫出動人的作品。但是聽過《梁祝》作者陳剛的講座之后,發現其實是一種沒必要的擔心。他在創作《梁祝》的以前根本就沒談過戀愛,他在寫《苗嶺的早晨》和《陽光照耀著塔什庫而干》的時候正好是他被關牛棚,人生當中最黑暗的時候。他說他寫的就是他心目當中的愛情,心中所幻想的太陽。不一定要去過新疆,才能寫新疆的作品。

    當然去過更好,可以讓思路更加廣闊。但是寫不寫的出感人的作品,還是要看作曲者是否本身是個很感性的人,他能不能夠天才可以抓住主題中最吸引人的部分,還有就是他的音樂沉淀了,包括作曲理論和音樂鑒賞力積累各方面的綜合素質。

    其他聽的更多的都是歐美的甚至是日韓的流行歌曲。究其原因,個人覺得是國內的創作層次太單一而且比較低,我們國家音樂學院內對真正意義上的流行音樂的創作研究實際是個空白。看看學院派這些寫歌的,谷建芬,徐沛東等等寫的都不是現代感的流行音樂,而是我們所稱之的通俗歌曲,走的是中年人的路線。而真正創作年輕人流行音樂的又基本是土八路出身,街頭流浪歌手轉身變成了作曲家,僅僅創作了幾首歌以后就消聲匿跡,讓人感覺江郎才盡,最明顯的就是李春波,鄭鈞一類的。

    而真正學院派出身,有著正統音樂沉淀比如汪鋒、竇唯類的還算是出成果比較多的,創作生命也相對長久一些,但可惜他們又不是專門學習作曲理論的,只是學習傳統音樂的時候業余搞搞搖滾什么的,總不能達到登峰造極的地步。總而言之,中國是學習作曲的不創作流行,創作流行的不是專業作曲家。雖然這么一竿子打死有失偏頗,但是這樣的現象還是普遍存在的。這不能不說的我們國家音樂學府里面的一個疏漏,讓我們的聽眾不得不去崇洋甚至是哈韓哈日。

    說了這么多,其實目的還是集中在一點,就是希望現在正在從事流行歌曲創作的朋友們可以認清我們國家流行音樂創作水平不高的現實和原因,從提高自身的音樂修養和音樂理論著手,走出一條正統的大道來,把我們的流行樂從民間拉回學院,這樣我們的音樂就復興有望了.

    藝術家需要從生活體驗中尋找靈感,這是沒錯的,但是靈感的得出還是建立在你懂得音樂的前提下。很難想象一個五音不全的人可以寫歌。如果不懂音樂,還談什么創作靈感呢。懂的越多,靈感的范圍和自由度越大,信手拈來的可能性越大。文學家去體驗生活,起碼他也懂得寫字,懂得修辭,懂得如何去調解文字的節奏和韻律。一個農民,他生活體驗多吧,即使是他懂得寫字,他寫出來的能叫文學嗎?

    一個藝術創作者,首先是掌握了這些創作工具的,然后通過體驗生活,尋找靈感,最終在他藝術積累和生活積累的兩相作用下寫出藝術作品的。

    你所舉出的例子beyond開始不會寫譜,但是他們肯定是從模仿開始的,他們模仿什么?當然是模仿他們經常聽到的那些音樂,吸取那些音樂元素,這不就是學習理論嘛。千萬不要把理論書本化,認為理論就是樂理,就是在表現在文字上的。理論是表現在耳朵里的,和靈感一樣表現在骨子里面,這樣看來,聽著音樂cd也就是學習理論,因為cd上很多類似的套路在你的創作中都會派上用場,它不會限制你的風格,只會幫助你形成自己的風格,因為你用的技巧是根據你所聽到的雜糅而成的.

    還有一點,體驗生活到底是體驗到了什么。我有一些看法,實際上體驗的對象并不重要,重要的是你的世界觀變了。通過體驗,你更加的感性,更加容易的進入感性的狀態,讓自己的情感更細膩,更容易抓住你需要的那種感覺。這正是可以幫助你達到真正的藝術所需要的那種極致,完美。這樣,一個沒有經歷過戰爭的藝術家可以去寫關于反戰的作品,只要他的體會可以達到厭惡戰爭的程度。沒經歷過愛情的人可以寫愛情,只要他的對愛情的渴望可以細膩到那個程度.

    音樂中感性和理性哪個占第一位的問題有點象唯心和唯物主義關于物質和精神哪個第一的爭論。似乎公說公有理,婆說婆有理。其實這是事物不可割裂的兩個方面。一個音樂作品在一定的框架內形成,在這個框架內有著自己的思想。拿開框架談思想或者離開思想去搭框架都是毫無意義的。去強調任何一方的重要性都是正確的觀點。但是需要警告的是,不可以輕視任何一方,如果你忽略了對感性或者理性任何一方的培養,它必將成為創作當中的瓶頸。照理說,我對這兩方面的發言應該是平均用力的,但是我沒有這么做。我特別強調理論是基于現在某些普遍現象的考慮。這些現象需要解釋一下,大家就自然明白我的用意了.

    從我的親身經歷出發。我教吉他,教過不少學生,上的大都是初級的內容。大家知道,初級當中學習樂理的重要性和練習彈奏的重要性是一樣的,雙方應該平均用力。但是如果給定一定時間的練習時間讓學生自己去練,絕大多數學生一定是選擇練習彈奏吉他,而不是視唱練耳這樣的音樂內功的練習。以至于到了最后,會彈出聲音的人多(而且彈的還不難聽),會調弦會識譜的人少。這是為什么呢?因為懶惰二字。他們的懶惰不在手上,而是在腦上。學習樂理及聽音的基本功顯然更象是一種腦力勞動。當他們將時間用來練習彈奏時,實際上是不想動腦筋(盡管他們可能意識到學習樂理和視唱練耳可以使他們事半功倍)。所以如果我不做特別的強調,或者是同一性的強調雙方的重要性,導致的結果很可能就象以上我說的這種情況,到最后不懂音樂只懂彈奏。于是我每次都會把樂理和視唱練耳提高到超過練習彈奏的高度上來,要求他們全力重視(當然我不會擔心他們不練習彈奏)

    實際上大家也會發現類似的現象,很多人彈奏吉他運指如飛,但是卻合不上拍子,彈的沒有音樂的感覺,所謂的腦子跟不上手就是這樣。他們對于技巧的練習并不缺乏,甚至是饒有興趣。但是他們卻厭惡樂理,即使知道這樣不對,他們也不愿意花大力氣來改觀。這就是我所說的腦子上的懶惰。

    聯系到創作音樂上來,很多人自詡為有天賦,有感覺,有經歷等等一切的感性元素。強調感性是主要的,理性是次要的或者是輔助的。我看到的卻是另一層意思,是他們想避開缺乏理論基礎的現實。其實天賦和感覺是擺在那里的,烙在你身上的,有多少就是多少,生活體驗也是隨著時間的推移就慢慢沉淀下來的,不需要特別費力的去學習。反而是音樂內功這種東西,不靜下心來,沒有學習的精神和毅力就不會進步的東西是最難于突破的。那么我不強調這些動腦的,和毅力有關的東西還能強調什么呢?

    大家不要把音樂看成是簡單的發揮自己才華(客觀)的工具,它也是你學習精神(主觀能動性)的一種體現。如果你能寫的出真正的藝術作品,那不僅是你天賦的體現,更加是你努力學習音樂的結果。音樂不是投機,是踏踏實實的學習。

    最后要說的是,大家聽著自己喜歡的音樂,感嘆這樣的音樂真正是感性的作品,可以如此的打動自己。但是請不要忘記作者在寫這首作品以前做的大量的理性準備工作,他們都是經過辛勤的腦力勞動,聽磁帶,扒譜,學習,體會等等之后,才結合自己的個人經歷寫出這么一首動人的作品的。有誰見過天賦很高,但是音樂內功差的人寫出很動人的作品嗎?這不難推理出,音樂創作的水平和音樂修養的水平是成正比的。天賦再高,體驗再多的人,如果他不繼續補充音樂內功,也很快隕落下去。

    總結我的觀點,感性和理性對于音樂都是重要,但是需要特別強調理性,因為它是真正的音樂家和音樂投機分子的分水嶺.

    從中外音樂的各種對比來強調音樂當中的理性:首先要褒揚我們國家的文化,博大精深。但是很多文化到了如今,很多人都不明白是怎么形成的,到底是依據一個什么樣的道理,遵循什么樣的規則。最明顯的例子莫過于易經,易經對于人類認知世界的價值早已得到眾多中外專家的認可。但是兩千多年前的古人為什么可以比現在的人更懂得世界呢?他們有沒有什么規律留下讓我們去重新推算一遍,從而可以了解古人的想法呢?很遺憾,沒有。中國的文化是重感性,輕理論的。很多時候只要用出來是對的就可以了,而這些方法具體是怎么推導出來的似乎并不是很重要.

    轉移到中國傳統音樂上來,也是這樣。很久以前,就有專家分析說民樂不善于總結,沒有形成理論體系,這一定程度限制了民樂的進一步發展。不能說民樂達到的程度不高,但是相對于西方音樂嚴謹的結構和邏輯,民樂總體來說是比較寫意的,比較感性的。其實民樂和西洋樂追求的境界根本就是不一樣的,兩者的統一必定是十分困難的一件工程。小弟自問沒有能力做到,所以現在只能就民樂講民樂,就西洋樂講西洋樂。

    如果是在大唐盛世,全世界以中國文化為主流,今天我們就要大談感性。但是很遺憾,現在我們聽到和進行創作的音樂都是以西方古典樂為基礎的衍生類型。主流是西方樂,我們就不得不認真研究西方樂的結構,這對于我們討論的題目才是有意義的。

    有一種不成文的說法:“巴赫的音樂包含了音樂所有的可能性”。巴赫的音樂就是西方樂的基礎,歐洲音樂之父的稱號也就是這樣得來的。不知道,大家研究過巴赫的音樂沒有。我研究的不多,但是我知道巴赫是根據一個個小小的動機,利用各種算法和理論進行移調,變奏,倒映等等。從而把一個只有短短半分鐘的主題發展成一個長達十幾分鐘甚至半個鐘頭以上的完整曲子。這些曲子不會讓人覺得單調,反而是趣味橫生,精巧的不可言語,發揮到了聽覺效果的極致,而且同樣甚至更好的表達作者的情緒。

    由巴赫音樂為基礎發展起來的西方樂都是強調理論的,講求結構,織體,和聲等等。學習西方音樂,首先要了解的就是一系列的作曲技巧。現代西方流行樂其實也離不開這個大體的框架。雖說現代樂的鼻祖是由黑人的blues演變而來,但是西方作曲家們在參透黑人音樂的精髓后,加入了傳統的作曲技巧(當然也根據需要改變了一些理論體系),因為他們的骨子里還是西方音樂的。

    我們現在所聽到和了解到的現代流行音樂就是西方作曲思路和雜糅各種民族的表達方式(比如blues)的結合體.舉個例子,都說Eric Clapton的blues彈的好,但是除了那些絢麗的solo,你是否曾經注意過Clapton的作曲套路,他從前奏開始到發展,到高潮,再返回原來的主題到底用了多少次轉調?這些復雜的作曲套路在我們國家的流行樂當中還是個稀罕物品。中國的流行樂不要說多次轉調,能有一次轉調就說明作曲者水平很高了,而且通常還不是在高潮,而是在bridge過渡部分轉到原調的關系大小調上面去。Clapton所有精彩的感性的solo都是建立在這樣一個復雜的和聲進程的基礎上。而我們崇拜Clapton的那些琴友大都只看到了那些精彩的solo,而忽略了他理論方面的基礎和沉淀。

    類似這樣的例子可以在其他任何一個高水平的西方流行樂當中找到。只要你的音樂聽力各基礎夠好,你應該可以聽出西方樂和中國流行樂之間的檔次差距在什么地方。只要你注意到了中西方流行樂中的各種細節對比,你也可以發現我們國內作曲人創作的思路是多么簡單、貧乏和粗糙.

    下面抽空來談談感性,我對感性的理解主要有兩點:

    第一,我在前面已經講過,只有感性的人才能寫出好作品

    ,而這個作品的主題是什么并不重要。大家知道藝術是來源于生活,高于生活的,這很對。比如我們看精彩的電視劇,大都是情節曲折,浪漫,奇巧的構思。這樣被我們稱作戲劇性,影視作品或者一切的表演藝術都是講求戲劇性的,這樣才能稱之為生活的典型。

    但是實際生活中,這樣的情節是不太可能出現的,哪有那么巧的事情,哪有那么浪漫的愛情,哪有那么單純或者壞的人。生活就是平平淡淡,偶爾一點小波浪,不太可能象電視那么夸張(不排除極個別巧合)。音樂也是這樣,它所表現的情緒都是人類情感的極致。正因為它表現了最極致的東西,才會感動聽眾,讓聽眾感受到音樂的震撼。但是音樂的作者本身的生活卻不都是這么極致,他們都是普普通通的人。但是他們與平常人不同的是,他們善于抓住這種極致的感覺,這與他們感性的性格是分不開的。

    他們比普通人更容易體會到感情上微妙的東西,也是經歷各種事情以后的自然結果。這也就是通常所說的生活體驗。藝術家需要去體驗生活,是為了培養他們更加細膩的情感,而不是單純的叫他們到生活當中去尋找主題或者素材來進行創作。不要以為只有失戀的人才配寫失戀的歌曲,如果他音樂內功不深,聽上去還不是真正意義上的好音樂。一個感情細膩到可以似乎身臨其境的體驗到失戀痛苦的,但是從來沒失戀過的音樂家同樣也是可以寫出好作品的。

    如果我的這個看法成立的話,這就可以給創作者很大的創作空間。許多非現實的題材都可以拿來創作。金庸寫武俠他怎么去體驗生活?重回古代去了解那些血雨腥風嗎?顯然不可能。他只能憑自己已有的經歷,情感和認知觀去寫他從來沒經歷過的事情了。大量的藝術作品其實就是在作者不曾體驗的情況下誕生的。我不同意把理論書本化,同樣也不同意把體驗和感性局限化.

    第二,什么樣的人寫什么樣的歌

    這個道理很簡單,學生唱清純的歌,憤青唱極端的歌,窮人唱大眾的歌,富人唱小資的歌。但是經常在我們身邊會發生角色錯位,讓人看著好笑。舉個例子,不少上了大學的懂點搖滾和音樂知識的都想搞樂隊,而且唱得都是憤青的歌。其實他們穿的好,吃的好,又不是沒有女朋友,生活的這么好干嗎唱這么憤怒的歌。原因無非有兩點,一是想出風頭,趕時髦,表明自己很先鋒。二是因為他們平時就是喜歡聽這樣的音樂,也希望可以做這樣的音樂。但是他們忘記了自己的思想和感受沒達到憤怒的地步,在這么安逸的情況下還唱這么痛苦的歌是不是有點勉為其難。

    要知道,喜歡歸喜歡,但是創作音樂的時候還是要做回自己,以自己經歷和感性程度作為基礎,結合作曲技巧來創作。不要一味主觀的追求某種風格,忽視了自身的“階級地位”。假裝深沉或者假裝清純都是令人作嘔的.

    在實際的高水平創作中,是很講求動機、思路以及各種手法的運用的,先來講講流行歌曲的動機:

    動機是什么?動機就是你想寫歌的那個原因。比如你偶然哼到一小段好的旋律,愛不釋手,想把它擴充完整成為一首歌,那么這段旋律就是你的動機。動機帶有很大的感性成分,是你的天賦你的感受也是你的運氣,但是同時也是建立在你的音樂內功基礎上的。如果你聽得少,缺乏音樂修養,那么這個動機的水平也是可想而知的,說句難聽的:“狗嘴里蹦不出象牙”。很多時候,評價某一首歌,只要聽聽開頭第一句就心中有數了,是騾子是馬都是動機惹的禍.

    這里需要特別提到的是動機的形式。中國人是典型的旋律主義者,甚至更甚的歌詞主義者。動機往往是隨口哼到的一句旋律或者是歌詞,不是說這樣不好,只是形式太過于單一。我的很多老外友人向我指出大部分中國人聽的音樂都沒什么節奏,我告訴他們這個是中國文化性質決定的,大部分人聽到大音量,節奏勁爆的音樂就頭疼。寫曲子的人很多也是這樣,動機當中是不考慮節奏的,這就造成我們的音樂總是缺乏力度,靡靡之音泛濫。

    所以我們亟需豐富創作動機的形式和內容,除了旋律和節奏可以成為動機,漂亮的和聲進程,甚至是伴奏當中某個riff或者小片斷都可以成為動機。國外很多流行樂曲走的是復調路線,伴奏是一個線性旋律,在這個伴奏旋律上再重新組織歌曲的旋律,而且節奏往往是錯開的,互為填空式的。兩條旋律相交織,生動而鮮活,妙趣橫生,很容易抓住聽眾的耳朵。關于以上的這些內容都需要大家有一雙發現的眼睛,要善于總結,慢慢的在創作當中體會.

    下面來談談有了動機以后的思路問題

    思路是什么?就是你下一步該怎么辦,是個導向問題。旋律怎么走,情緒怎么上升都不應該是拍拍腦袋瞎撞出來的,要有個計劃。可能計劃這個詞比較嚴重,我的意思是要設定一個方向的意思。但是以什么為導向是一個很值得討論的問題.

    很久以前,就有人討論過是先寫歌詞還是先寫旋律,這個“先”就是導向問題。哪個先上呢?其實問問國外專業作曲人,他們會告訴你和弦是最應該先上的(當然這不是絕對的,而是大多數人慣用的)。詞先上有詞先上的好處,旋律先上也有旋律先上的特點,和弦先上之所以被大多數作曲人采用是基于它的好處更多。建立在和弦上的旋律更容易獲得深刻的內涵,彈古典吉他的人都知道約翰威廉姆斯和他的卡伐蒂娜這首名曲,看看這首曲子的旋律,非常簡單,但是在各種色彩和聲的襯托下卻顯得分外的清新脫俗。這就是和弦為導向的功勞,可以讓平淡的旋律熠熠生輝而且充滿個性。而以旋律為導向會讓自己總是走到自己熟悉的旋律當中去,大部分國內歌曲聽上去很雷同,就是旋律導向的結果。

    為了讓歌曲有個好的和弦導向,這需要學習,要多積累經驗和套路,這可以從扒譜當中獲得,也可以從書本當中獲得,或者互為補充,理論與實踐相結合。這是一個長期任務,如果你缺乏對音樂的持久興趣和善于學習和總結的方法,這將是困擾你終生的難題.

    如果你已經具備一定水平的和弦導向能力,那我們再回來看看我們的作曲計劃:

    作曲的方式或者結構不是一成不變的,可以是很多組合。我下面所提出的這個計劃實際上是本人比較推崇的一種方式,同時本人認為也是比較標準化或者說國際化的方式。因為我不是科班出身,完全是自己的感受,所以講的可能會有漏洞,希望有更專業的朋友可以替我補充。

    大體上有這么幾個點要控制一下:

    第一,開頭第一句唱詞和旋律非常重要.

    大家知道很多演唱會上經典的歌曲第一句話一經唱出就能博得滿堂彩,就是因為第一句話集中了你的動機,也就是這首曲子的精華,讓聽眾馬上進入狀態,被帶入你的情緒。所以第一句話要設計的個性十足,歌唱性很強,這個全靠你的駕馭音樂的能力了。有個好的開頭,會讓聽眾對你充滿期待。

    第二,開展部分要設計一定的低潮,如果你理論水平夠高的話,這個低潮應該是個無調式的.

    這個地方是被所有國內作曲家忽視的角落,我們暫且可以稱為高潮以前的蟄伏或者過渡階段。舉個例子,Tears in Heaven當中唱到I must be strong,and carry on,cause i know……就是這么一個無調式的東西,充滿了半音和變數,游離于動機和高潮之外,是個很好的感情過渡,同時也是讓你發揮個性的大好時機,因為這里的旋律是絕對不會和其他歌曲雷同的。大量的國外歌曲存在這個部分,大家可以自己去發現.

    當然這個部分并不是特別重要,你可以不需要也沒關系,但是由于從來沒人提過,所以我專門強調一下.

    第三,高潮要設計的簡單而上口,要把整個氣氛拔起來,必要的時候要進行轉調處理.

    好的歌曲在唱過一遍就會讓人印象深刻,為什么?因為你記住其中的某句話,而這句話通常就是高潮。大家很輕易的就可以哼出,回味,引起共鳴。可以這么說,要“畢其功于一役”,高潮的成功就是全曲的成功(在中國肯定是這樣)。設計的時候和聲不要太復雜,要簡單而直接,詞也要異常上口。為了體現和發展部不一樣的氣氛,轉調也是常用的手法。怎么轉???好好學習理論,多多體會體會吧

    第四,有的歌曲會加入一個bridge,也是一個過渡性質的,這里基本都是跟做原調不一樣的調式處理.

    比如羽泉的《最美》當中的“走在街中人們都在看我……與你相隨”部分就是這樣一個bridge,轉調技巧是必需的。這個部分在國外流行歌曲中大量出現,也是中國人比較容易忽視的地方。

    掌握了這四點,會讓你的歌曲聽上去多一些理性,而絕不會限制你的感性發揮。也讓你的歌曲聽上去與眾不同。如果一首歌以旋律為導向,會讓你失去對和弦學習重要性的認識,而走入平庸和雷同。如果失去對上述四點大體框架的把握,也很容易失去歌曲的個性,而走入簡單的發展+高潮的模式。發展+高潮不是不能寫好歌,而是不能帶動作曲者進步,寫出更好更豐富的歌

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    (出處: 中國原創歌詞網)


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